Pour travailler l’encaustique, il s’agit de mélanger les pigments à la cire d’abeille utilisée en état de légère fusion. Ce médium permet des effets flous, vaporeux et des fondus recherchés. Par cette technique, nous laisserons côtoyer l’abstraction et la figuration, ce qui donnera une dynamique à vos oeuvres qui va au-delà de la représentation proprement dite.
Comme les anciens, vous mélangerez vous-même les pigments pour créer votre propre palette de couleurs, en poussant votre recherche jusqu’à amalgamer d’autres matériaux.
Les images qui en ressortiront seront pour vous une découverte incroyable. Laissez-vous guider par la matière et la couleur, ce qui dégage une impression d’énergie intense.

Matériaux suggérés :
N.B. Certains matériaux de base seront en vente sur place.
Spatules
Pinceaux en poils naturels
3 supports et plus
Térébenthine
Godets
Pots
Paraffine
Pigments purs et cire d’abeille
(disponible sur place)

Comment percevons-nous les volumes, l’espace et comment les traduirons-nous sur une surface plane ? Des artistes marquants et des savants ont trouvé des moyens pour nous aider à exprimer plus correctement ces architectures ou ces objets qui posent des défis.
L’histoire, les théories, les grands principes seront expliqués et démontrés. Des exercises en équipe aideront l’étudiant à intégrer les théories. Des travaux permettront de passer aux applications concrètes : édifices, maisons, rues, intérieurs ainsi que le rapport de la présence humaine dans les tableaux (l’échelle).

Matériel requis :
Carnet de notes, plume rapidographe,
crayon de plomb et
une grille de Dürer à faire en atelier.

L’isométrie
La Grille de Dürer
La perspertive euclidienne
Le point de vue de l’observateur
La Lumière
Notion du nombre d’or et de la structure du tableau

Derrière le geste de création exite un désir, une pulsion dont nous ignorons les sources. Quelle partie de soi cherche à s’exprimer? Personnellement, je travaille à partir de mes racines amérindiennes. Afin d’ouvrir la porte à mon imagination, j’utilise le pouvoir de la musique, le son du tombour et les chants intimement enracinés à la terre-mère. Nous avons tous, enfouie au profond de notre être, une tradition reliée à la terre, à une origine première que nos civilisations matérialistes ont occultée. Je vous invite à des exercices pratiques qui iront à la rencontre de votre puissance de création et aboutiront à la naissance d’une ou de plusieurs oeuvres qui seront des objets de pouvoir originaux.

Comment faire en sorte que la représentation d’une personne, d’un animal, soit plus que l’exactitude de la mise en place des proportions des différents traits du visage ? Comment insufler présence, intensité et expression à un visage ? Exercices en atelier avec plâtre et modèle vivant.
Les proportions, la structure, l’expression et l’écriture personnelle, voilà des moyens abordés dans les cours qui donneront accès à une sensibilité et une faculté. « VOIR » nos modèles vivants et ce qu’ils proposent.

Matériel requis :
Les trois crayons :
sanguine, charbon et pastel blanc sec.
branches fusain,
1 bâtonnet de 30 cm,
1 chamois naturel,
le papier est fourni.

Initiation à l’art de la miniature, un art différent par son format mais aussi par l’approche intime nécessaire, la précision technique dans le processus de la création et la com­plicité immédiate entre l’œuvre et son spectateur. Depuis plus de 25 ans, Daniela Zekina a exploré cet art sous tous les angles. Elle mélange les médiums, alliant gouache, acrylique et aquarelle, encre de chine, pou­dres métalliques ainsi que des textures en relief créées par froissement de morceaux de papier ajoutés. Ses œuvres sont figuratives par leurs formes, mais l’agencement y demeure irréel. Les thèmes sont souvent liés à la mythologie, ses expressions et la pertinence de ses messages. Les personnages se manifestent sous la forme de métaphores, symbolisant des sentiments.

Croquis de 2, 5 et 10 minutes. Poses longues de 45 minutes et de 3 heures. 1 longue pose de 9 heures. Avec 2 modèles professionnels. Méthode du cerveau droit. Dessins poussés.

Oui, vous pouvez faire de belles images imprimées avec peu de matériel !
L’estampe à la japonaise est une technique que j’ai mise au point et qui permet d’imprimer des collagraphies et des monotypes. Il s’agit d’une façon de procéder qui ne nécessite pas de presse ni d’outil sophistiqué, pour un rendu de grande qualité. Simple, cette façon de procéder permet d’explorer sa liberté créatrice et d’avoir bien du plaisir. En effet, quoi de plus jouissif que de donner forme à des images qu’on a dans la tête et qui ne demandent qu’à sortir sur le papier ?

Seront disponibles à l’atelier : encre pour gravure, retardateur de séchage, papiers japonais ou papiers chinois, stylet de bois, baren, plaques de plexiglas,
rouleau encreur et tarlatane.

Matériel requis :
Apportez : Coton-tige, ciseaux, règle, exacto, chiffons, bambous, cuillères en bois, papiers japonais, encre pour gravure et rouleau encreur.

Monett, artiste-peintre, recherche l’essence de son univers en épurant la forme et fait vibrer par la couleur, l’énergie qui s’en dégage. La superposition de couleurs translucides appliquées à l’aide d’une spatule sur un fond réflé­chissant, laissera transparaître les différentes étapes de votre travail créant ainsi profondeur et luminosité.

Initiation au mélange de couleurs sur le papier en expérimentant diverses textures et diverses teintes de papier.
Dessiner et réserver la lumière, charger le papier, composer la couleur et comprendre les contrastes de couleurs complémentaires.
Note : Ce cours s’adresse aux étudiants de tous les niveaux (débutant ou avancé).
Aucun travail ne doit être réalisé à partir d’une photographie.

Le marouflage est une technique d’encollage sur toile ou sur panneau qui convient à la plupart des médiums, que ce soit l’huile, l’œuvre dessinée sur papier ou sur toile, l’aquarelle ou encore l’acrylique.
Un atelier intensif de deux jours : Première journée : Énoncés, historique, apprentissage sur les oeuvres que les étudiants apporteront, démonstrations, applications.
Deuxième journée : Évaluation des résultats et séance de vernissage appropriée à chaque œuvre.